Poesía y música

 A todos los que puedan acercarse los esperamos.

A los que actúan les agradecemos su compromiso solidario.

MM. Dominicas

Las bendiciones de Dios sobre mi

Hora es ya que nos vemos

después de tantos caminos---

¡Cuánto nos hemos amado!

Ya deseo estar contigo

donde mi sol no se ponga,

siempre en tu cielo encendido.

Quiero amarte en tus ojos

mientras tú miras los míos.

¡Ábreme la puerta, amado,

por aquí hace tanto frio!

¡Mi verdadera calor...

serás mi aliento infinito!

Hemos caminado unidos

y llegamos al destino,

hora es ya que nos veamos

mi dueño, mi Dios, mi amigo.

ASÍ ES MI DIOS

Tú me quemas con hielo,

me apagas la sed sin agua,

Tú me sacias con pan de hambre,

me abrazas con infinita distancia,

me haces ver tu grandeza

por mi infinito vacío,

me acompañas con desierta soledad.

Tú me das vida muriendo.

Antonio Praena,O.P, nuevo miembro de la Academia de Buenas Letras de Granada

El poeta y teólogo granadino Antonio Praena ha sido elegido como nuevo miembro correspondiente de la Academia de Buenas Letras de Granada por la provincia de Valencia. La elección de Praena se efectuó durante la junta ordinaria del mes de marzo, celebrada el pasado lunes, con los votos favorables de trece académicos numerarios y la adhesión de un académico electo y tres supernumerarios asistentes a la reunión.

  Antonio Praena Segura, nacido en 1973 en la localidad de Purullena, estudió el bachillerato en Guadix, profesó como dominico en 1994 y fue ordenado sacerdote en 2001. Licenciado en Teología Dogmática por la Universidad Pontificia de Salamanca, se doctoró en 2015 en la Facultad de Teología San Vicente Ferrer de Valencia, donde en la actualidad dirige el departamento de Dogma, al tiempo que también imparte docencia en el Instituto Superior de Ciencias Religiosas de Valencia, así como en la sección española de Domuni Universitas y en la Escuela de Teología por Internet de la Facultad de Teología San Esteban de Salamanca.

  Como poeta, si bien su obra se inicia con la publicación de poemas sueltos en diversas revistas, su producción literaria comenzó con el libro titulado Humo verde (Salamanca, 2003), con el que consiguió un ‘accesit’ en el certamen internacional de poesía hispanoamericana Víctor Jara. La misma suerte corrió tres años después en el Premio Adonais su segundo libro: Poemas para mi hermana (Madrid, 2006). Sin embargo, con el tercero, titulado Actos de amor (Madrid, 2011), se hizo ya merecedor del premio nacional de poesía José Hierro por unanimidad del jurado. También se alzaron con los premios a los que optaban sus tres siguientes títulos: Yo he querido ser grúa muchas veces (Madrid, 2014), premio Tiflos de poesía en 2013; Historia de un alma (Madrid, 2017), galardonado con el premio Jaime Gil de Biedma de ese año y con los premios de la Crítica en Andalucía y Valencia en 2018; y Cuerpos de Cristo (Visor, 2021), distinguido con el premio Emilio Alarcos del Principado de Asturias y, por ahora, su última obra poética. En 2017 se publicó en Roma una antología de su obra poética traducida al italiano y titulada Tra cielo e terra.

  Al margen de su obra literaria, Antonio Praena es autor del blog ‘El atril de los Dominicos’ y ha publicado asimismo ensayos sobre diferentes temas teológicos, así como numerosos escritos sobre la relación entre la espiritualidad y la creación artística contemporánea. La presencia de la poesía de Antonio Praena en antologías, reseñas, revistas, prólogos, recitales, festivales y actos literarios es de tal magnitud y relevancia que lo hacen, sin duda, acreedor a representar a la institución granadina de las Buenas Letras como académico correspondiente por Valencia, ciudad en la que reside y ejerce como docente en diferentes materias y ámbitos universitario desde el año 2001.

(Eduardo Castro)

Poema de santa Teresa

                                             Vivo sin vivir en mí

Vivo sin vivir en mí,

y tan alta vida espero,

que muero porque no muero.

Vivo ya fuera de mí

después que muero de amor;

porque vivo en el Señor,

que me quiso para sí;

cuando el corazón le di

puse en él este letrero:

que muero porque no muero.

Esta divina prisión

del amor con que yo vivo

ha hecho a Dios mi cautivo,

y libre mi corazón;

y causa en mí tal pasión

ver a Dios mi prisionero,

que muero porque no muero.

¡Ay, qué larga es esta vida!

¡Qué duros estos destierros,

esta cárcel, estos hierros

en que el alma está metida!

Sólo esperar la salida

me causa dolor tan fiero,

que muero porque no muero.

¡Ay, qué vida tan amarga

do no se goza el Señor!

Porque si es dulce el amor,

no lo es la esperanza larga.

Quíteme Dios esta carga,

más pesada que el acero,

que muero porque no muero.

Sólo con la confianza

vivo de que he de morir,

porque muriendo, el vivir

me asegura mi esperanza.

Muerte do el vivir se alcanza,

no te tardes, que te espero,

que muero porque no muero.

Mira que el amor es fuerte,

vida, no me seas molesta;

mira que sólo te resta,

para ganarte, perderte.

Venga ya la dulce muerte,

el morir venga ligero,

que muero porque no muero.

Aquella vida de arriba

es la vida verdadera;

hasta que esta vida muera,

no se goza estando viva.

Muerte, no me seas esquiva;

viva muriendo primero,

que muero porque no muero.

Vida, ¿qué puedo yo darle

a mi Dios, que vive en mí,

si no es el perderte a ti

para mejor a Él gozarle?

Quiero muriendo alcanzarle,

pues tanto a mi Amado quiero,

que muero porque no muero.

Santa Teresa de Jesús

LA VISITA

Déjame entrar, Señor, que tengo prisa,

que he de volver a un mundo apresurado,

inmerso en la ambición y en el pecado,

huérfano de la luz y de la risa.

 

Déjame entrar que mi dolor precisa

hacer un alto en el camino andado,

el gesto vago y la virtud remisa.

 

Déjame entrar, Señor, sólo persigo

pararme un rato, recobrar la calma,

pensar un poco y dialogar contigo.

 

Soy el mismo de ayer tu viejo amigo

déjame entrar a confortarme el alma

luego, Señor, cuando queráis...prosigo.

 

                     Älvaro Trujillo Téllez

 

SOLO TÚ PUEDES HACERNOS FRUCTIFICAR

Adoba tú estas tierras,

nuestras manos son tan torpes

que han dejado baldías todos los campos.

Cava tú estas tierras,

y haz limpieza de resistencias,

afanes de posesión y autosuficiencias,

que obstaculizan sembrar

los frutos de la misericordia y el abandono.

Riega tú estas tierras,

tan sedientas de sentido, de justicia,

generosidad y gratuidad,

y que se ablanden los corazones endurecidos

por la indiferencia y la vanidad.

Adoba tú nuestras intimidades,

y cava hasta los abismos de nuestro ser

para arraigar en él, silente y paciente.

Solo Tú puedes hacernos fructificar.

 Mar Galceran

Daniel del Valle: «La música sin sentido es un sonido sin alma»

Aunque Daniel del Valle se dio a conocer al gran público en el concurso televisivo Prodigios, con apenas 18 años lleva muchas actuaciones a sus espaldas e incluso ha cantado delante del Papa. «Mi voz es un don que Dios me ha dado, y si la uso para llevar felicidad al mundo, Dios sentirá que el regalo ha sido bien utilizado», asegura

«De nuestra memoria tú nunca te irás, / que nos queden los recuerdos, / que esta etapa no termina, / la vida no tiene final». Con estas palabras, escritas a fuego en la memoria del corazón, Daniel recuerda a su amiga Ángela: quien se fue antes de tiempo a un cielo nuevo que, a veces, llora demasiado lento. Y lo hace con la voz llena de vida, porque cantar es su manera de acariciar el corazón de quien le escucha.

Este estudiante de Derecho nos recibe –virtualmente– en su casa de Manzanares el Real. Es embajador de Una Medicina para Venezuela, colabora con varias causas benéficas y guarda, en el brillo de su voz, la caricia de un Dios bueno. Lo supo a los 9 años, cuando sus ojos se vistieron de música y contemplación, y comenzó su andadura en el Coro Real Español de la Escolanía de El Escorial. Así, poco a poco, Dani fue llenando todos sus días de acordes. Y también de Dios, el despertar de sus amaneceres más rasgados y, aunque «suene extraño», como él mismo reconoce, su «mejor amigo». Con el tiempo, fue amasando todas esas notas, hasta convertirse en lo que hoy es: un testigo de la Palabra y un apóstol sonriente con alma de cantor.

¿Cómo se escribe la vida de Daniel del Valle?

Soy un cantante apasionado, amante de la música y estudiante de Derecho, de tan solo 18 años, que –desde muy pequeño– ha soñado y ha luchado por sus sueños.

Una persona feliz, sincera y con ganas de cambiar el mundo; enemigo de la paciencia y muy amigo de ayudar a los demás. Desde el punto de vista formativo, a los 9 años, tuve la suerte de ser seleccionado para formar parte de la Escolanía de El Escorial (Coro Real), y poder estudiar, becado, con los padres agustinos, tanto a nivel académico, como a nivel musical. Por ello, he tenido la oportunidad de cantar alrededor de todo el mundo, en países como China, Rusia, EE. UU. , Panamá... Asimismo, he sido finalista de numerosos concursos a nivel nacional, como Prodigios, de TVE.

Pero sin abandonar las labores del corazón…

Sin duda. Soy una persona muy profunda, que confío todos mis proyectos en las manos de Dios; y sé que el hecho de que todo me esté saliendo tan bien no es cosa del azar ni de las suerte, sino de Dios.

¿Percibes, entonces, la música en clave de fe?

Veo la música con ojos muy evangelizadores, y lo he vivido en primera persona. Cuando hace unos años, junto a un amigo, versioné la canción Súbeme la radio de Enrique Iglesias, transformándola en He resucitado, con letra católica, el vídeo acúmulo millones de visitas en las redes sociales.

¿En qué idioma se escriben tus sueños?

En el idioma de la ilusión, la perseverancia y, ante todo, la pasión. Siempre que pueda ayudar a personas con mi música y mi forma de ser a superar problemas, sin duda que lo haré.

Y con Dios siempre en el centro, ¿no?

Sin Dios, yo no sería lo mismo. Su plan es perfecto, y siempre va a querer lo mejor para nosotros. De hecho, sé con certeza que tiene algo muy grande para mí, pero tampoco me lo quiere regalar… Para ello, debo esforzarme por conseguirlo y, como decía santa Teresa, «la Paciencia todo lo alcanza».

¿Qué te aporta el saberte acompañado y cuidado, cada día, por Jesús?

Me aporta tranquilidad, porque sé que estoy en buenas manos. Y, al igual que la música, siempre está a mi lado, en las buenas y en las malas. Puede soñar extraño, pero le definiría como mi mejor amigo.

Da la sensación de que hay notas musicales que, quizá, no sonarían de la misma manera en tu voz si Dios no fuera el protagonista de tu melodía…

Ciertamente, porque la música sin sentido es en un sonido sin alma, pero cuando va acompañada de un gran sentimiento y verdad, la cosa es distinta. Dios ha creado un entorno bonito para mí, con grandes amigos, paisajes, aventuras... Es tan inspirador que me hace sentir en el corazón una emoción, como si de una larva se tratase al convertirse en mariposa. Y esas inspiraciones se trasforman en música.

Además, eres una persona profundamente comprometida con los más desfavorecidos. ¿De qué manera lo llevas a cabo y por qué crees que es esencial –para el ser humano y para ti mismo– poner la mirada en los sinvoz?

Soy embajador, junto a Carlos Baute, de Una Medicina para Venezuela, fundación de ayuda humanitaria para dicho país. También soy el representante de las campañas de la PADF y la OEA en España, siendo imagen de la última, contra la xenofobia. Considero que es muy importante, porque, de alguna manera, sin nuestra voz, no serían escuchados por nadie. Y me gustaría que, como yo, tuvieran la oportunidad de conocer la belleza de una vida. Si está en mis manos ayudarles, ¿Por qué no hacerlo?

Decía san Agustín que «aquel que canta alabanzas, no solo alaba, sino que también alaba con alegría; y que también ama a quien le canta». En la alabanza hay una proclamación de reconocimiento, en la canción del amante hay amor…. ¿Este sentir acompaña, de alguna manera, tu camino?

Indudablemente. Asemejaría esto con el siguiente ejemplo: cuando un amigo te regala una camiseta, cuando quedas de nuevo con él, si te la pones, le hace ilusión y de alguna manera siente agradecimiento, y que su regalo ha sido de buen uso. Asimismo, mi voz es un regalo, un don que Dios me ha dado, y exactamente igual que en el ejemplo anterior, si la uso para llevar la felicidad al mundo, Dios sentirá que el regalo que me ha otorgado ha sido bien utilizado.

A tus 18 años, has cantado con numerosos artistas, reconocidos a nivel nacional e internacional. Y, sin embargo, tus ojos hablan de humildad, de constancia y de sueños. ¿Qué o quién mantiene tus ojos en vela?

Como decía anteriormente, la ilusión por conseguir mis sueños es la que hace que vaya tras ellos sin rendirme. Precisamente nombras dos de las palabras clave que hacen de base en mi trayectoria: la constancia y la humildad. No dejaré de intentarlo, porque creo en los milagros. Y con respecto a la humildad, prefiero valorar públicamente el apoyo que siento por parte de mi familia y de mis amigos, aquellos que hacen que mi sueño esté cada día más cerca. Y le doy gracias a Dios, porque atribuirme todo a mí mismo y pensar que podría haber conseguido lo mismo sin este apoyo, no sería verdad.

¿Y qué nos dirías de tu mayor fan: tu abuela Benita, con 91 años de vida regalada?

Ella sí que es un regalo. Aprendo día a día con ella, me enseña a exprimir mi vida al máximo y me da los mejores consejos. Me hace disfrutar y, a la vez, siento que disfruta mucho conmigo, y me emociona ver cómo a través de la música la saco una sonrisa.

Dani, ¿la vida tiene final?

«De nuestra memoria tú nunca te irás; / que nos queden los recuerdos, / que esta etapa no termina, / la vida no tiene final». Es un pedazo de mi tema La vida no tiene final, en el que dejo claro que lo bonito nunca desaparece. Y cuando no está presente, es que está en un lugar mejor, pero siempre quedarán los recuerdos…

La última: mírales a los ojos a esos jóvenes que, por alguna razón, se sienten incomprendidos y no encuentran sentido a su vida. ¿Qué les dices?

Cuando os sintáis solos, recordad que Dios siempre está a vuestro lado y tiene los brazos abiertos para ayudaros. Él ha creado un camino para cada una de vuestras vidas, así que sed vosotros mismos y no os dejéis influenciar por absolutamente nadie. Nuestro plan ya está creado, y ahora solo debemos soñar alto, para llegar lejos (un lema que me acompaña siempre). Eso sí, acompañad ese momento tan íntimo con acordes de ternura. La vida, sin música y sin Dios, sería un error…

La restauración en el Vaticano que revela al último Rafael

Las alegorías de la Iustitia y Comitas, pintadas al óleo entre los frescos de la Sala de Costantino en el Vaticano, representan el último trabajo de Rafael antes de su muerte hace 500 años. El excepcional descubrimiento salió a la luz al final de una restauración llevada a cabo por los Museos Vaticanos. En los últimos días se han descubierto las pinturas y pronto el público también podrá verlas, en conformidad con las medidas de seguridad.

El reconocimiento del estilo, la técnica y la capacidad de experimentación típica del genio de Rafel Sanzio, corroborado por la constatación de las fuentes históricas y los resultados de los análisis científicos, han llevado a atribuir al Divino Pintor las alegorías de Iustitia y Comitas, las dos únicas figuras femeninas pintadas al óleo entre los frescos de la Sala de Constantino en el Vaticano.

La emoción de un descubrimiento

La sorpresa y la maravilla acompañaron la revelación de las pinturas recién restauradas, el miércoles 13 de mayo, en presencia de la directora Barbara Jatta y de una veintena de expertos e investigadores de los Museos Vaticanos. Las obras de conservación y limpieza realizadas desde 2015 en tres paredes de la gran sala permiten captar nuevos detalles de todo el ciclo de la pintura, pero sobre todo disfrutar plenamente del sensacional descubrimiento que habría sido el centro de una conferencia internacional prevista en el Vaticano el 20 de abril, en el marco del quinto centenario de la muerte del gran pintor. La emergencia vinculada al coronavirus ha impedido que el simposio tenga lugar, pero la inminente reapertura de los Museos Vaticanos permitirá admirar lo que probablemente sean las últimas pruebas artísticas dejadas por la Urbinate.

La última obra de Rafael

De hecho, entre el otoño de 1518 y la primavera de 1519, en el culmen de su estancia de doce años en Roma, Rafael recibió el encargo de León X de decorar el Aula Pontificum Superior, la sala utilizada para los banquetes, las recepciones de los embajadores y las autoridades políticas: la cuarta y más grande de las salas del apartamento de representación, en el segundo piso del Palacio Apostólico. Dimensiones imponentes: 18 metros de largo por 12 metros de ancho, y una altura de unos 13 metros. La prematura muerte a la edad de 37 años, después de largos días de enfermedad, el 6 de abril de 1520, no permitió al Maestro traducir en pintura el detallado programa iconográfico que había desarrollado, como lo documentan los numerosos diseños que han sobrevivido hasta hoy. La decoración fue, de hecho, completada en fresco por Giulio Romano, Giovan Francesco Penni y otros colaboradores.

Las Comitas pintada al óleo por Rafael

Giorgio Vasari, el famoso biógrafo de las Vidas de los Pintores, fue el primero en hacer referencia a dos figuras femeninas pintadas al óleo en el último período de la vida de Rafael. Un aspecto debatido, que siempre ha apasionado la comparación entre los historiadores de arte, divididos sobre la paternidad de Iustitia y Comitas. Las dos alegorías, la primera a la derecha de la Battaglia, la segunda a la derecha de Adlocutio, flanquean las figuras de los papas, ocho en total, representadas en un trono dentro de nichos a los lados de las escenas principales, y siempre han resaltado en todo el ciclo, en términos de belleza y superioridad cualitativa.

La restauración y atribución a Rafael

La alteración del esquema de colores, en gran parte causada por los pegamentos y los trabajos de restauración a lo largo de los siglos, no ha permitido hasta ahora confirmar la hipotética atribución a Rafael, también mencionada por Stendhal en Passeggiate Romane. El largo y complejo trabajo de restauración que acaban de realizar los Museos Vaticanos, gracias al apoyo de Patrons of the Arts in the Vatican Museums, ha sacado a la luz elementos significativos que hoy en día permiten rastrear las dos alegorías hasta Urbino. Desde 2015, los técnicos del Laboratorio de Restauración dirigido por Francesca Persegati, coordinado por Fabio Piacentini, bajo la dirección científica de Guido Cornini, han llevado a cabo refinados métodos de limpieza de la superficie pictórica en tres paredes de la Sala de Costantino. Las intervenciones permitieron hacer emerger claramente los extraordinarios colores de todo el ciclo de pintura que inauguró la temporada del manierismo de Rafael.

Los clavos bajo el muro

Especialmente en Iustitia y Comitas, destacan la iridiscencia, las transparencias y los matices del ductus y la paleta de Sanzio. También es significativo el descubrimiento de numerosos clavos bajo la superficie en los que destacan las dos Allegorie. Estos elementos metálicos tenían la función de anclar la colofonia a la pared para así proceder con seguridad a la ejecución de la pintura al óleo.

Hace 500 años murió Rafael, pintor universal

Las dos Virtudes representan, por lo tanto, un unicum, que los visitantes pronto podrán apreciar en vivo junto con todo el incomparable patrimonio de los Museos Vaticanos. Las "colecciones del Papa" están listas para reabrir, garantizando la máxima seguridad. La restauración de la Sala de Constantino comenzó en marzo de 2015 y continuará a partir de este verano en la cuarta y última pared donde la Escuela de Rafael pintó el fresco "La donazione di Roma".

SONETO AL CORONAVIRUS

Por los ángeles de alas verdes de los quirófanos.

Por los ángeles de alas blancas del hospital.

Por los que hacen del verbo ayudar

su bandera y tu casa

y luchan porque nadie muera en soledad.

Por las trabajadoras que no duermen

para que sueñen que se salvan los heridos.

Por los que al defendernos usan su piel un escudo

y mueven las camillas como el vals del peligro.

Por los que hacen del trabajo sucio

la labor más hermosa del mundo.

Por los que nunca miran el reloj mientras curan.

Por las que pintan tu dolor de azul.

Para los que merecen los abrazos prohibidos,

y se meten contigo en la boca del lobo

y riegan nuestro miedo con su luz.

Todos os aplaudimos,

con las barandillas de los balcones erizadas

con manos que recuerdan que encontrar otras manos

es la única verdad.

Y mientras, la esperanza escribe en nuestros labios:

“Cuando esto pase, nunca nos volverá a pasar.”

Gólgota, el Via Crucis según Alfonso Guazo

El artista Alfonso Guazo sorprende por su originalidad en la presentación de la tradicional escenografía del Via Crucis que, desprendida de color, resalta el dramatismo de este hecho histórico de sobra conocido por el espectador, pero al que esta revisión no dejará indiferente. Se trata de un personalísimo camino de la cruz que, apoyado en las intuiciones de los grandes artistas de todas las épocas, que lo han representado, y de la propia inspiración a base de recuerdos o imagen fragmentaria que nos atrapa como fotogramas en un cliché.

El espectador se siente protagonista en las estaciones en que el autor nos invita a mirar a través de los ojos de Jesús o incluso de la Virgen María, cuyos ojos transmutan los del propio Cristo en la IV estación. En otras nos vemos formando parte de la multitud, o bien solo hay soledad que anuncia, como si de un mal presagio se tratase, lo que Jesús sabe ya una realidad: la entrega de su vida, que encerrará en el decimosegundo lienzo un rostro desfigurado… inhumano, donde la realidad parece superar cualquier ficción en brutalidad. Es solo el despertar del color ya anunciado en el horizonte de la penúltima estación, en medio de un campo de cruces vacías, el que nos aboca a contemplar en la última un escorzo imposible, semejante al del intelecto que aferrado a la fe puede asumir la resurrección, el que eleva la emoción en el color del rostro, que así recobra la vida y nos llena de la alegría pascual… encerrando dos estaciones en este último lienzo, broche de su propuesta.

Aunque lleva desde 2010 colocado en la Iglesia de Santa María del Faro de Cueto, hasta el 4 de abril se encuentra expuesto en el claustro de la Catedral de Santander, donde puede visitarse de 10 a 13h y de 16:30 a 19:30 (horario de apertura de la Catedral).

Podemos hacer una visita rápida o gastar algo más de tiempo leyendo cada cartela que acompaña al lienzo, lo que nos ayudará a contextualizar y profundizar en la sensibilidad de cada estación de este Via Crucis, abriéndonos su contemplación a la oración.

La Basílica San Vicente Ferrer de Valencia acoge una obra de arte contemporáneo de Irim Lux

 La obra APNR-88740A del artista Irim Lux es la protagonista de esta edición del proyecto Ars Viva, que tras su paso por Santa María del Mar y La Seu de Manresa, concluye su itinerancia en la Basílica San Vicente Ferrer de la ciudad de Valencia, donde será visitable hasta el 4 de enero 2020.

  Ars Viva es una muestra artística itinerante, desarrollada por la Basílica Santa María del Mar (Barcelona), L’alberguería (Vic) y el Espacio O_LUMEN de los dominicos (Madrid). Su objetivo es promover el encuentro, el diálogo y la interpelación por medio de obras de arte contemporáneo en iglesias y otros lugares adecuados.

  Ars Viva quiere contribuir a educar la sensibilidad a partir de lenguajes artísticos contemporáneos vinculándolos con el sentido del ser humano, las preguntas sobre su futuro y una profunda dimensión espiritual cristiana.

  La obra se ha situado en la capilla de Santa Catalina de Siena, donde se propone un ejercicio de contemplación introducido por el texto “La sacralidad del acto y su espacio” del pensador Pau Albors. La exposición viene acompañada de un tríptico con textos para la reflexión y durante su estancia en Valencia se organizarán algunas actividades culturales paralelas.

  Irim Lux (Jordi Miralpeix) presenta la obra APNR-88740ª, comprendida en su última etapa artística Romanticimo postnuclear avanzado. Según el artista, se trata de “la culminación de un proyecto en el que he estado 8 años encerrado en una antigua colonia textil”. La obra está entre la abstracción y la representación.

«Para el artista es difícil saber cuándo parar»

El sudafricano Benji Liebmann, hijo y nieto de refugiados de la Alemania nazi y de los pogromos rusos, presentó su obra The Triptych en Madrid hasta mediados de julio (Art Window). A través de su trabajo, el autor reflexiona sobre la luz, los estados de ánimo, el misticismo y la naturaleza.

¿Cómo se siente al compartir su trabajo con un público desconocido?

Con mucha aprensión hasta que lo he visto expuesto. Pero la decisión ha sido la correcta y funciona mejor de lo que hubiese podido soñar. Es una especie de existencia aislada, privada… y ahora hay personas mirándola, disfrutándola… Hay un cambio en mi relación con la obra de arte. El trabajo me pertenecía cuando estaba en mi estudio, pero ahora ha sido liberado y me compromete, al contrario de lo que ocurría antes.

¿Qué siente cuando crea?

Carezco de una imagen preconcebida cuando trabajo. Quizás comience con una imagen o una idea, pero no sé por dónde va a salir la pieza. Trabajo por capas…, pero sé cuándo está terminada. Una de las mayores dificultades cuando eres un artista es saber cuándo parar.

¿A dónde quiere transportar a los que miran su obra?

Hago el trabajo de forma pura, para mí, porque quiero que se convierta en una creación. No soy consciente de lo que otras personas puedan pensar sobre ello. Aunque quizás ahora que lo estoy mostrando empezará a cambiar. Hasta ahora no he pensado en lo que otras personas puedan creer sobre mi obra.

¿Qué necesita sentir cuando contempla un trabajo artístico?

Es muy diferente en cada pieza, no hay un sentimiento universal. Parte del arte apela a tu intelecto, otra a tu estética, otra a tu imaginación, cada una tiene su propio dibujo. 

Vive en Sudáfrica, en una granja conocida como «La cuna de la Humanidad», sede de Nirox, una institución artística multidisciplinar sin ánimo de lucro. ¿Cómo describiría ese lugar?

Es difícil de explicar, son unas colinas corrientes, zonas de hierba, valles, no hay una montaña espectacular… De esta forma el entorno no compite con nosotros. Invita sin desalentar. Así es como logra un encanto y un carácter que no he encontrado en ningún otro lugar. Hay algo mágico, pero es difícil de identificar. Es un lugar antiguo, con energías ancestrales. 

El pintor Benji Liebmann junto a Marta Moriarty durante la inauguración de su primera obra expuesta The Triptych, que pudo verse en Madrid hasta mediados de julio en la Art Window.

En Nirox también se analiza la «traumática historia social» de su país.

No soy muy político, aunque sí consciente del ambiente social en el que he crecido, el hecho de ser un producto privilegiado. De una u otra forma, alguien tiene que rebobinar el sistema, redirigir algunas de las -desigualdades del pasado. ¿Cómo hacerlo? Mi contribución es Nirox. Sé que tengo la habilidad de construir lugares bonitos, de hacer que la gente se encuentre como en casa, conectada con la naturaleza. Por eso creé Nirox, para que la gente disfrute de lo que no está a su alcance.  

¿Cómo elige a los artistas que visitan Nirox?

Hay un comité de una sola persona, yo. Tengo un acercamiento muy católico hacia el arte. No solo suscribo lo que disfruto, sino que intento ser lo más objetivo posible. Tenemos a artistas de todas las disciplinas, sobre muchas de las cuales no tengo aptitudes para darles asistencia. Artistas que hacen instalaciones, compositores, consulto con otras personas para confirmar mis instintos. Pero la selección está completamente libre de cualquier dogma o ideología. No hay requisitos previos para los artistas.

¿Cómo surgió el proyecto Columba, para el que ha cedido parte del terreno?

Fue la idea de un empresario sudafricano que dejó sus negocios para dedicarse a las escuelas. Me contó las dificultades que tenía para encontrar un espacio, una casa, que los menores identificaran como su hogar. Fue una decisión rápida y hemos colaborado para introducir a los niños en el entorno y con los artistas.

¿Cómo ha cambiado la vida de estos niños y niñas de barrios desfavorecidos?

Radicalmente. Han pasado de superar el curso el 3 % a hacerlo el 95 %, porque es un programa unido a la escuela. Se convierten en líderes de la escuela, cambian su visión de la vida y la trasladan de nuevo a la escuela. 

¿Están al margen del sistema educativo sudafricano?

A Columba no le interesa la educación tradicional, sino que enseña valores, da esperanza e intenta descubrir la grandeza de los niños antes que otorgarles conocimiento. El problema de la educación es que viene de fuera, implanta los puntos de vista en el niño. Prefiero que el niño tenga las herramientas para solucionar problemas por él mismo. Exponerles a lo que es la vida, a la belleza que hay en ella, porque estos niños y niñas no son capaces de verla.

Eso también es educación…

Es educación real, aunque yo no lo llamo educación sino transformación.  

La Virgen de la granada (Fray Angélico)

Hacia 1426. Temple sobre tabla, 87 x 59 cm.

La Virgen de la granada es una obra extraordinaria pintada en uno de los momentos decisivos de la historia del arte europeo: la Florencia de principios del siglo XV, por uno de sus actores principales: Guido di Pietro (Mugello, 1390-Roma, 1455), más conocido como Beato Angelico o Fra Angelico. Se trata además de una de las poquísimas obras maestras del período que quedaban en manos privadas, pues desde que la pintura del Quattrocento italiano empezó a suscitar el interés de críticos y aficionados a principios del siglo XIX, se convirtió en codiciado objeto de deseo de museos y coleccionistas. Estas circunstancias, añadidas a su buen estado de conservación, otorgan a la Virgen de la granada una importancia excepcional.

Guido di Pietro da Mugello debió formarse con Lorenzo Monaco (activo entre 1390 y 1423), el principal pintor iluminador en Florencia, y la primera actividad artística de Angélico fue de hecho como iluminador. En 1418 era ya maestro independiente y, entre esa fecha y 1422, ingresó en el convento dominico de San Domenico en Fiesole. La mayoría de su producción desde entonces estará ligada a los dominicos, empezando por el convento en Fiesole, para el que pintó, entre otras, la Anunciación del Museo del Prado (P00015). Esta obra delata el impacto en Angelico de las innovaciones volumétricas y de perspectiva de Massaccio. También lo hace La Virgen de la granada, que la historiografía data a continuación de la Anunciación del Prado, y en la que resuenan nítidos los ecos del altar de Sant’Anna Metterza de Masaccio para San Ambrosio (1423-24). La Virgen de la granada forma parte de una serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420 y que delatan su progresivo dominio de la anatomía, la luz y el espacio, y entre las que figura también la Virgen de la humildad del Museo Thyssen. La Virgen de la granada toma su nombre del fruto que sostiene la Virgen y atrae la atención de su hijo, que la toca. En este contexto, la granada tiene un doble significado: en manos de la Virgen alude a su castidad; al tocarla el Niño Jesús, prefigura su muerte y resurrección. Esta iconografía disfrutó de gran predicamento en la Florencia del siglo XV, atrayendo a pintores como Sandro Botticelli o Leonardo da Vinci.

Se ignora para quién fue pintada La Virgen de la granada, pero sí se puede asegurar que se trató de un encargo excepcional dada la extraordinaria calidad de los materiales utilizados en su realización. Destaca sobremanera la abundancia de oro, no solo en áreas visibles como el paño de honor, sino también como base para el suelo con hierba donde se asientan las figuras. La Virgen de la granada abandonó Italia demasiado pronto para que los historiadores que empezaban a mostrar interés por Fra Angelico reparasen en ella. Tampoco ha ayudado a su conocimiento su pertenencia a una colección particular. Laurence Kanter, máximo especialista actual en el pintor, escribió de la Virgen de la granada que figura: “[…] entre las más bellas pinturas de toda la carrera de Fra Angelico” (Texto extractado de Falomir, M.: Museo Nacional del Prado, Memoria de Actividades 2016, pp. 28-30).

El Museo Real de África Central, en Tervuren (Bélgica), antes de su actual reforma. Centrado en Congo, fue un proyecto concebido inicialmente por el rey Leopoldo II.

La inauguración en diciembre del Museo de las Civilizaciones Negras en Dakar no ha podido suceder en un momento más oportuno. La empresa –cuya idea fue planteada por Léopold Sédar ­Senghor, poeta y presidente de Senegal, durante el primer Festival Mundial de las Artes Negras, en 1966– llega cuando el mundo del arte se ve agitado por un creciente discurso sobre la necesidad de devolver el patrimonio africano que fue expoliado por las antiguas colonias.

El tema se animó a finales de 2017 cuando el presidente francés, Emmanuel Macron, dijo en Burkina Faso que era inaceptable que el patrimonio cultural de muchos países africanos estuviera en Francia. Aquella declaración podía parecer un brindis al sol, y aún podría serlo a la espera de consecuencias prácticas, pero pareció tornarse en algo más que un gesto cuando el galo encargó a dos académicos un informe sobre devolución de piezas artísticas. El documento, publicado finalmente el 23 de noviembre pasado, elaborado por Benedicte Savoy, historiadora de arte francesa, y Felwine Sarr, economista senegalés y autor del célebre Afrotopia, recomienda al Estado francés que devuelva cada una de las piezas sobre las que un país africano haga una demanda de restitución, siempre que no se demuestre que no ha sido robada o expoliada. Teniendo en cuenta que un cálculo difundido por los propios autores estima que un 90% del patrimonio artístico africano se encuentra en colecciones occidentales, las consecuencias de una restitución generalizada sería muy relevante para las colecciones de arte africano que hay en Europa. El informe, sin embargo, circunscribe el maximalismo de su recomendación al arte subsahariano, ya que considera que en otras latitudes –Egipto, Grecia o Latinoamérica– el robo no ha sido tan desproporcionado.

Un estudio preliminar revela que Chad es el país al que más afectaría una eventual restitución patrimonial; se calcula que más de 9.000 piezas serían solicitables por sus autoridades si siguen las recomendaciones del documento. A Chad le seguirían Camerún, Madagascar y Malí.

Las reacciones de los afectados no se han hecho esperar. En la presentación del museo de Dakar, el ministro de Cultura de Senegal, Abdou Latif Coulibaly, manifestó que cursarán tantas peticiones como objetos senegaleses se identifiquen en las colecciones francesas. Otros países, como Costa de Marfil, ya han expresado sus intenciones en términos semejantes. Y saliendo del área francófona, por efecto contagio, la ministra de Cultura de Angola, Carolina Cerqueira, habló recientemente de la necesidad de estudiar la explotación de obras angoleñas en el extranjero y dijo tener pensado pedir a Portugal que ­devuelva una serie de piezas que ahora exhiben sus museos etnográficos y arqueológicos.

Volviendo al terreno de las coincidencias –o no tanto–. La del Museo de las Civilizaciones Negras no ha sido la única apertura que se ha producido en el mismo periodo que el informe de los expertos en Francia. El Museo de África de Tervuren, en Bélgica, fue reinaugurado el mes pasado para incorporar una revisión crítica del papel colonial belga en una de las grandes colecciones de arte africano. Para acercarse a su objetivo, la organización contó con expertos y representantes africanos, de origen mayoritariamente congoleño. República Democrática de Congo, por su parte, planifica un museo en Kinshasa para el que solicitará parte de los objetos que le fueron arrebatados por el colonialismo.

Así las cosas, no cabe duda de que las declaraciones de Macron y el informe posterior han subido una marcha en un debate que ya se aceleraba ante la mayor conciencia africana y de sus diásporas, unida a un momento que se caracteriza por una revisión crítica a nivel mundial sobre aquellos hechos y relatos tradicionalmente aceptados como oficiales. Quizá el presidente galo, que por otra parte afronta importantes desafíos internos, no fuera consciente de la magnitud del debate que podrían desencadenar sus palabras en Burkina Faso. De hecho, su intención parecía entonces tener más que ver con la de compartir (con idas y vueltas) las obras artísticas, que con las restituciones permanentes de patrimonio que han solicitado los expertos a los que encargó el informe.

Las potenciales consecuencias para los museos europeos de la doctrina que emana del estudio, –¿qué decir, por ejemplo, del Museo Británico?– podrían ser devastadoras. La justificación predominante hasta ahora de no devolver piezas en base a una mejor conservación, dadas las supuestas deficiencias de las instituciones e instalaciones africanas, se ve ahora contestada con hechos, como la propia existencia del Museo de las Civilizaciones Negras en Dakar, y con palabras: «pura condescendencia», dice Felwine Sarr. «Países como Sudáfrica, Nigeria, Camerún, Kenia o Senegal no tienen problemas para acoger las obras. Otros no están listos, pero debemos darles tiempo», dijo el experto en declaraciones ofrecidas por El País.

Habrá que ver, sin embargo, la puesta en práctica de las devoluciones, que el documento Sarr-Savoy apunta a través de un plan que abarcaría casi un lustro. Su ejecución planteará a buen seguro problemas legales, políticos y económicos. Pero la apuesta es seria. «Mantener nuestras culturas es lo que ha salvado al pueblo africano de los intentos de convertirlo en un pueblo desalmado sin historia», dijo el presidente sengalés, Macky Sall, en la inauguración del museo en Dakar.

Consenso en la crítica al señalar los fallos de la nueva película Robin Hood, anticatólica y absurda

John Mulderig, crítico de cine en el Catholic News Service de los obispos norteamericanos, es contundente contra la nueva película Robin Hood, dirigida por Otto Bathurst para la factoría Lionsgate: es simplemente anticatólica.

"Alguien responsable de 'Robin Hood', probablemente uno o dos de sus guionistas, Ben Chandler y David James Kelly, tiene 'problemas de mamá' respecto a la Santa Madre Iglesia. Como resultado, un anticatolicismo rabioso permea esta versión de la leyenda clásica, que por lo demás es boba", describe el crítico.

Ya es bastante absurdo mostrar a los ingleses que iban a luchar a la Tercera Cruzada como levas forzadas por sorteo (en realidad eran soldados-peregrinos, que acudían a hacer fortuna, o acompañando a su señor, o como una opción para expiar pecados y también delitos). También es un poco absurdo sustituir al Pequeño John por un moro negro llamado Yahya. Y Lady Marian no está claro si ama a Robin, o a otro candidato, y se limita a hacer lo que le piden los guionistas sin más sentido.

Pequeño John es un moro negro que se llama Yahya

Pero un momento de absurdo emblemático se da cuando Robin decide practicar el tiro con arco ¡disparando contra imágenes de santos en una iglesia! ¿Se hizo iconoclasta en Oriente? ¿Le fastidian los santos?

Un cardenal malo, genérico, sin nombre ni nada

Aunque en las historias clásicas de Robin Hood nunca salía un cardenal, aquí incorporan uno -tan genérico que no tiene ni nombre- para dar voz y rostro malvado a la Iglesia. Nos predica que el miedo es "el arma más poderosa de Dios" y que "por eso la Iglesia inventó el infierno". "Ah, es por eso", se mofa el crítico del CNS.

¿Y fray Tuk? El fraile "guerrillero" dice generalidades sobre los valores del Evangelio, parece que sin entender que "es todo" un engaño, como le explicará el cardenal.

Cuero ajustado, bufandas y gorros hipster y efectos cocooning, como dicen en la prensa de tendencias de moda 

Para que no falte nada en el cóctel típico y esperable, el Sheriff de Nottingham se crió en un orfanato católico donde fue maltratado y abusado sexualmente por clérigos y nobles. "Por un momento, parece que el guión intenta crear un villano bidimensional, con algo de empatía, pero enseguida desiste y opta por más acción repetitiva", lamenta el crítico de FlickeringMyth.com.

En la web de cine Consequence of Sound también lo señalan burlonamente: "Robin Hood ayudará a las familias del mundo entero estas navidades a darse cuenta de que la Iglesia Católica inventó el infierno como una táctica de miedo". La web añade que "no hay nada memorable en este Robin Hood, incluso cuando te ríes de él, y ese puede ser uno de los peores destinos para una película". Esta web considera que el actor que interpreta al cardenal sabe que el filme es pésimo y colabora activamente en lograr risas del público.

Cuero ajustado y violencia de videojuego

Las risas, insisten los críticos, no es porque la película tenga humor -que no lo pretende- sino porque es tan mala y absurda que el público se lo toma en broma. Los proscritos de Sherwood (y los pobres en general) van vestido con cuero ajustado que hace pensar en "Assassin's Creed" y el combate es de videojuego ("Call of Duty en Arabia con arcos y flechas"), pero sin llegar a enganchar.

La crítica del CNS remata la tarea con dureza: "La imagen del catolicismo que ofrece el director Otto Bathurst es cronológicamente desabrida y podría ser 'hip' actualizar este material antiguo si no fuera no solo anticomplaciente sino grotesca y moralmente obscena. La película contiene mucho ánimo anticatólico, mucha violencia dura, a veces gore, incluyendo tortura, sensualidad no gráfica...". En fin, no es una opción para ver en familia en Navidad.

El dominico Antonio Praena recibe en Jaén el prestigioso Premio Andalucía de la Crítica

 El pasado jueves 17 de mayo el fraile dominico Antonio Praena recibió el XXIV Premio Andalucía de la Crítica por su libro de poesía “Historia de un alma”. Durante el acto, que tuvo lugar en el antiguo hospital San Juan de Dios de Jaén, también fueron galardonados Emilio Lara, en la modalidad de narrativa; Alejandro Pedregosa en la de relato, y Jorge Villalobos, en la de ópera prima.

  “Historia de un alma” que ya recibió el XXVII premio de Poesía Jaime Gil de Biedma, fue seleccionado por el jurado de la Asociación Andaluza de Escritores y Críticos Literarios por entender que alumbrado por San Juan de la Cruz, aspiración a la que ansían los escasos poetas neomísticos, Praena consigue construir un discurso lírico impecable, pleno de sonoridad y contrastes, mezcla bien fraguada de fondo y forma. En esta intensidad no desdeña los temas más oscuros: la prostitución, el proxenetismo, las drogas. En su lenguaje, siempre equilibrado, se combinan los más álgidos recursos léxicos con el argot de la calle. Su capacidad para mezclar la tradición con la posmodernidad es ciertamente admirable (“Carpe noctem” o “Recriminación de Manrique”). Heterodoxo y hasta subversivo, en “Historia de un alma” se refleja la realidad de una sociedad acuciada por la carencia de ilusiones, ideales y creencias, lo que se contrarresta con la egolatría, el sexo, la evasión, el lujo o la ausencia absoluta de conciencia. Estamos ante la radiografía descarnada de una sociedad que renuncia a la verdad, la bondad y la belleza para investirse de hipocresía, materialidad y negligencia.

praena recibe premio critica andalucia

  Emocionado, Praena pronunció el siguiente discurso de agradecimiento tras recoger el galardón:

  Corre el año 1978. Estamos en un pueblo de la provincia de Granada, un pueblo entre cerros cuyo nombre es Purullena. Muchas de sus gentes viven en cuevas, cuevas pobres excavadas en la arcilla de los cerros. Es el año 78 y hay esperanza. Cambios que parecen dar sentido a un tramo de nuestro tiempo y nuestra historia. Los caminos están abiertos.

  Se encuentra en construcción el nuevo grupo escolar. Mientras tanto, este curso la clase se ha instalado en un bajo. Pueden verse los ladrillos sin revestimiento y el cemento que los une. Mapas ajados en las paredes. Un cuadro en blanco y negro de la Virgen María. Las ventanas son de hierro pintado con un minio naranja que no ha logrado protegerlo de la humedad. Hay niños de distintos cursos en la misma clase.

  La maestra -Consuelo Íñigo Valdenebro, la señorita Chelo, que es de Valencia- ha escrito algo en la pizarra. Sólo un niño lo ha leído de seguido y ha respondido: “es un poema”. Tiene cinco años y la maestra lo ha premiado con uno de los juguetes usados que ella misma recoge entre sus familiares para premiar a sus alumnos. No importa lo que fuera aquel juguete, porque el verdadero premio será el resto de la tarde, una larga tarde de mayo jugando en un patio encalado, limpio, con petunias. El mundo, ese mundo pequeño, tenía sentido porque había amor, futuro y asombro.

  Cuarenta años después, acompañado de su familia, aquel niño -es mayo también y azul la tarde - recoge un premio de la mano de los críticos y escritores andaluces por un libro duro, extraño y desagradable que se introduce en el mundo de la abundancia, un mundo al que, sin embargo, se le ha caído el horizonte del sentido y del asombro. Muchas gracias desde el corazón de aquel niño.

Así expresó Gaudí el misterio del Espíritu Santo sobre el altar de la Sagrada Familia de Barcelona

El blog del templo expiatorio de la Sagrada Familia en Barcelona explica cómo esta especialísima iglesia expresa el misterio del Espíritu Santo sobre el altar a través de su baldaquino dorado. Para entender su simbología es necesario conocer algunas claves que nos adentran en esa Persona de la Trinidad.

Finalizadas las siete semanas del tiempo pascual, es decir, los cincuenta días desde el lunes de Pascua de Resurrección (o Pascua Florida) hasta el lunes de Pentecostés (Pascua Granada),  hemos querido centrarnos en el baldaquino del altar mayor, el cual se inauguró en el 2010 con la celebración de la dedicación de la Basílica y supone la representación más clara del Espíritu Santo en el interior del templo.

Pentecostés significa, literalmente, «cincuenta días», y se puede decir que la tradición judía ya celebraba estos cincuenta días desde que Moisés recibió las Tablas de la Ley en el monte Sinaí.

La fiesta de Pentecostés es muy importante para los cristianos, ya que implica la venida del Espíritu Santo, la cual se ha representado a menudo en le mundo del arte como unas lenguas de fuego sobre las cabezas de los apóstoles. Con este regalo de Dios, los apóstoles cobraron un poder especial para curar enfermedades, tener fuerza y valor ante las adversidades que les esperaban y, especialmente, para comprender y hablar todos los idiomas y, de este modo, poder divulgar la buena nueva en todo el mundo.

El baldaquino precedente, en Mallorca

La palabra baldaquino hace referencia a la ciudad de Baldac, es decir, la Bagdad medieval, de donde provenían los valiosos tejidos de seda con los que a menudo se confeccionaban los baldaquinos.

Se trata de un dosel que se situaba sobre los tronos de los reyes y que adoptó la Iglesia cristiana para enaltecer y honrar el altar.

Gaudí dejó en Palma de Mallorca una muestra excelente del diseño del baldaquino que debía cubrir el altar mayor de la catedral. Sin embargo, aquella obra quedó inacabada, como otras que Gaudí abandonó alrededor de 1914-1915 para dedicarse en exclusiva al proyecto de nuestro templo. Aun así, la expresión de los elementos simbólicos que debía contener ya estaba completamente definida.

Teniendo en cuenta que del baldaquino de la Sagrada Familia cuelga la cruz del Cristo y que, por encima, en la bóveda, se representa el Padre Eterno, el baldaquino, situado entre ambos, adquiere el rol simbólico de representar el Espíritu Santo y completa de esta manera la representación trinitaria del Padre, el Hijo y el Espíritu Santo.

Esta es la razón de que tenga la forma de un heptágono, ya que son siete los dones del Espíritu Santo: sabiduría, inteligencia, consejo, fortaleza, ciencia, piedad y temor de Dios.

El polígono se sitúa con un vértice apuntando hacia el centro del crucero y con una ligera inclinación ascendente hacia el mismo punto. En este vértice central se pueden leer las letras «INRI», que hacen referencia inequívoca a Jesucristo en la cruz que se sitúa justo debajo.

La estructura del baldaquino es metálica y aporta grosor y medida tridimensional a la línea poligonal inicial de siete lados, de manera que, forrada con pergamino traslúcido, puede esconder en su interior un sistema de iluminación que destaca las inscripciones. De este modo, es en el centro de cada lado donde se rotula cada uno de los siete dones mencionados.

Por encima de esta estructura sobresalen las espigas de trigo, símbolo del pan de la eucaristía y, por debajo, cuelgan racimos de tres colores: blanco, negro y dorado. Estos últimos, realizados en vidrio enmoldado, son el símbolo del vino de la eucaristía. También se intercalan con los racimos unas hojas de parra de latón. Todavía más abajo, a lo largo de todo el perímetro, cuelgan siete lámparas por lado. Si le sumamos la que se sitúa en el vértice principal, son cincuenta lámparas que representan los cincuenta días que dura la Pascua.

La plegaria del gloria cubre todo el perímetro del baldaquino, tanto por el lado exterior como por el interior. Con letras rojas retroiluminadas y en caligrafía gaudiniana realizada bajo la dirección de Jordi Bonet, por entonces arquitecto director de las obras, desde los bancos de los fieles se puede leer el inicio completo del gloria sin necesidad de desplazarse. Después, la continuación queda repartida por el resto de laterales, interiores y exteriores.

Por lo tanto, para leer la plegaria completa es necesario desplazarse por el deambulatorio del ábside. También resulta necesario ir saltando el texto de los escudos centrales de cada lado, en los que se encuentran, por fuera, los dones del Espíritu Santo y, por dentro, la sigla «SS» (Spiritus Sanctus), que significa, en latín, «Espíritu Santo».

Todo el baldaquino cuelga de las dos columnas de basalto que quedan alineadas con el altar, las dedicadas a san Pedro y san Pablo. Para hacer el anclaje, se diseñaron una especie de grandes argollas que abrazan estas columnas en las que se pueden leer las referencias a estos apóstoles tan importantes.

Finalmente, también es necesario tener en cuenta que este Jesús en la cruz preside la perspectiva desde la nave principal, tal y como se entra desde la que será la puerta principal de la Basílica; la puerta de la Gloria. De esta manera, junto con las esculturas de la Virgen María y san José, que presiden las vistas del transepto, completa los tres miembros de la Sagrada Familia.